LUCES, SOMBRAS Y FOTOGRAFÍA.

¡Buenas tardes!

En la clase de hoy la profesora María Jesús no ha hablado sobre las luces, las sombras y la fotografía. También, nos ha explicado qué es una instalación, la cual hemos hecho por grupos al finalizar la clase. Aquí os cuento la sesión de hoy:

En primer lugar hemos tratado el tema de la luz. ¿Qué es la luz?

Hablar de luz es hablar de sombra.La luz en el arte es la base. Por ejemplo, a la hora de mezclar colores debemos de conocer la luz que tiene alrededor y de lo que le ilumina cerca. El ser humano consigue vencer la oscuridad a través del fuego.

La luz provoca las sombras. Las sombras son muy significativas en el arte. Hay algunas creaciones artísticas formadas simplemente por sombras. Existen distintos tipos de iluminación:

• La iluminación natural (del sol o de la luna): Cambia según la hora del día que es. Eugenio Recuenco es un artista de moda que suele trabajar con la iluminación natural a través de las ventanas, creando luz lateral. La iluminación también puede ser rasante, es decir, se ilumina a ras de piel (aconsejable destacar la forma del cuerpo o las texturas). La luz frontal nos quita las sombras, mientras que la luz lateral o lateral elevada generará distintas sombras.

• La iluminación artificial: Mediante los focos de luz: focos de luz difusa, focos que hacen rebotar la luz sobre un panel para que sea una luz más suave. Dentro de la artificial encontramos la continua y discontinua (nosotros vamos a trabajar con la discontinua), es decir, se enciende y se apaga como una linterna.

Lo obvio de todo esto y nos tiene que quedar claro es lo siguiente: 

    - Las sombras se producen en aquellas zonas donde no llega la luz. 

    - La sombra es la proyección de un cuerpo. 

    - Su forma y tamaño nos indica la hora del día y la estación del año.

FOTOGRAFÍA

Cunado queremos fotografiar algo es muy importante el fondo. Son mejor los fondos que armonicen, ya que no destacan y así resalta más el objeto o la persona fotografiada. Dependiendo del objetivo de nuestra foto utilizaremos un fondo u otro; por ejemplo: si queremos destacar el color blanco de la piel de una persona, tendremos que fotografiarle con un fondo negro.

La posición de la cámara también es muy importante, ya que también condiciona el objetivo de nuestra foto: fotografía de abajo hacia arriba, fotografía de arriba abajo, fotografía frontal o fotografía lateral. Un claro ejemplo se ve en un cuadro de Goya, ya que se puede ver cómo las personas están al ras.

La luz  pueden generar luz propia y pueden controlar su intensidad a voluntad. La luz generada por medios biológicos se denomina bioiluminación.

Hay muchas formas de trabajar la luz en artística. Por ejemplo, se puede trabajar la luz en el aula utilizando un reloj, a cada hora la luz es distinta, entonces se puede salir al patio para señalar a cada hora donde está la luz, es una manera de trabajar divertida con los niños. También, se pueden hacer baños de luz con una linterna.

Rafael Lozano Hemmer es un artista que trabaja con luz y hace instalaciones artísticas. Utiliza una cortina de tela y detrás de ella hay imágenes de personas, y delante de la cortina hay una serie de focos que iluminan la tela.  Solamente cuando la persona intercepta la luz, se ve lo que hay detrás. Es decir, es una instalación interactiva ya que solo cuando la gente intercepta la luz se descubre lo que hay detrás de la tela. También ha hecho proyecciones en el suelo, te tenías que ir moviendo para saber dónde estaba la persona.

Fabrizio Corneli es un artista italiano que trabaja con la luz natural y artificial. Mediante pequeños recortes de papel proyecta luces, es una forma de trabajar con luz rasante, ya que la luz está pegada a la pared y al iluminar se observan las luces de la cara.

Las sombras llaman la atención a los niños. Pero ¿Qué significa no tener sombras? ¿Por qué Peter Pan no tiene sombra? Es una manera de originar un debate a los niños.

Entendemos mejor el arte moderno que el arte antiguo, ya que tenemos más conocimientos de la historia actual que de épocas anteriores. Por ejemplo, en un cuadro realizado por Simon Nor, podemos observar en la imagen un atardecer, pero en realidad muestra el declive de una ciudad.

Dan Flavi fue una artista que trabajaba el animalismo a través de luces y sobras.

Actualmente existe una corriente donde ese trabaja con las luces LED.

Debemos tener claros una serie de conceptos mínimos para saber realizar una fotografía:

1. El objetivo: Se trata del ojo de la cámara. Este ojo es bastante complejo porque tiene una serie de lentes para evitar distorsiones y poder captar con nitidez lo que se ves. Existen lentes de plástico, de cristal, para captar de lejos o cerca, etc. Pero todas las lentes tienen algún pequeño problema y una gran virtud. Este ojo se puede mantener abierto o cerrar. Lo que ocurre cuando se cierra o se abre: si está completamente abierto solo se va a enfocar una parte y todo lo demás va a quedar borroso. ¿Cómo se expresa si el objetivo está abierto o cerrado? Se puede observar a través de las pestañas que lo cubren. El diafragma es como nuestro iris, cuando hay mucha luz se cierra y cuando hay poca luz de abre. Cuanto más cerrado el diafragma más posibilidad de enfocar todos los planos.
2. Velocidad: La cámara puede realizar muchos disparos. Puede disparar de una manera rápida o lenta, lo cual se expresa en décima de segundos en la cámara. Es lo que se conoce como velocidad de obturación. La cámara puede disparar de una manera lenta, manual o automática. Nosotros utilizaremos una velocidad de obturación lenta (aproximadamente 0,3).
3. Sensibilidad: la sensibilidad dependerá de la calidad de la cámara para captar lo que está ocurriendo. Tiene que ver con la capacidad de la lente y de los píxeles para poder captar la imagen, con el objetivo (si tiene un objetivo muy luminoso captan muy bien la luz, otros objetivos no son tan buenos y en cuanto hay un poco menos de luz la fotografía sale borrosa).

Fotografía realizada por mí.

Estos principios están relacionados. Si ganas en uno, pierdes en otro; es decir, para tener un mejor objetivo tienes peores los otros aspectos. Dependiendo de nuestras preferencias, aumentaremos o disminuiremos estos principios.

Por último, la profesora MJ nos ha explicado las instalaciones y nos ha pedido que realizáramos una por grupos. Pues bien, ¿Qué son las instalaciones?

En los años 60 surge un movimiento que está en contra de la comercialización del arte. Las instalaciones están relacionadas con este movimiento.

Es una obra artística que se produce en el espacio y hay que recorrer. El Land Art es una instalación porque hay que recorrerlo, la única diferencia es que utiliza como materiales la naturaleza; en el caso de no utilizarse la naturaleza, se considera instalación artística.

Una vez sabemos en que consiste nos hemos puesto manos a la obra. Hemos creado creó una "montaña" de sillas, que simbolizaban el paso de la vida, con sus diferentes etapas. En la base había colocadas un mayor número de sillas, que simbolizan la necesidad de forjarnos sobre una buena base par poder ascender y seguir creciendo en todos los ámbitos de la vida, de tal manera que cuanta mejor base tengamos, mejores serán nuestros pilares y nuestros principios. Aquí os dejo algunas fotos de nuestra instalación.

    

Fotografía realizada por mí.

Fotografía realizada por mí.

   

Fotografía realizada por mí.

Fotografía realizada por mí.

¡EXAMEN FINAL!

¡Buenas tardes!

La sesión del viernes estuvo destinada a hacer el examen final de la asignatura, el cual consistía en una parte práctica y otra teórica.

En primer lugar realizamos la parte práctica. En ésta, la profesora propuso que debíamos realizar una ciudad de vacaciones en relación con los árboles que habíamos realizado durante el curso, por lo tanto la llamamos Marina Forest: Ciudad de vacaciones. Para ello, la profesora fue asignando distintos lugares que suele haber en una zona de playa. A mi grupo le fue asignado realizar un puesto de perritos calientes.

Los materiales de los que disponíamos eran: varias cajas de cartón, cúters, tijeras, metro, tizas, carboncillos, telas y cinta adhesiva. Con todo ello, intentamos que el puesto de perritos calientes quedará lo más realista posible. 

Por tanto, con estos materiales realizamos todos los productos que nos dio tiempo a hacer y considerábamos que eran los indispensables de todo puesto de perritos calientes. Estos productos que realizamos son: el puesto de perritos calientes, los perritos calientes,una barra de pan, dürüm, un bote de ketchup, servilletas y dos delantales para los vendedores del local. 

Como es lógico, si hubiéramos realizado todos juntos cada una de las cosas no nos hubiera dado tiempo a realizarlo todo correctamente. Por tanto, voy a hablaros más detalladamente de mi trabajo individual.

Dividimos las tareas entre todos los miembros del grupo y a mi me tocó hacer el puesto de perritos calientes. Para ello, utilicé dos cajas de cartón, puse una sobre otra y con el cúter quité una de las caras de la de arriba para poder colocar los productos a vender. Para ensamblar ambas cajas utilicé cinta adhesiva. Posteriormente, en la parte de atrás, realicé un circulo con el cúter en la caja de arriba para que el vendedor pudiera asomarse y coger los productos. También, sobre la caja de arriba coloqué un trozo de cartón recubierto de tal para simular el toldo. Por último, la parte delantera se forro de tela, al igual que la zona donde se colocarían los productos. Sobre la tela delantera del puesto colocamos un cartel con el precio de los perritos calientes realizado por mi compañero.

Después, todo lo que realizamos lo sacamos, junto al árbol, fuera del aulario con todos nuestros compañeros de clase. Una vez allí, la profesora María Jesús nos grabó a todos los grupos explicando cómo lo habíamos hecho. Cuando nos grabó a nosotros, además de explicarle como habíamos realizado todo y en qué consistía, realizamos una recreación de una venta de un perrito caliente. 

   

Fotografía realizada por mí.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por un miembro de otro grupo.

Una vez realizada la parte práctica volvimos a clase para llevar a cabo la prueba escrita. Esta parte teórica consistía en responder a una única pregunta, la cual decía así: Enumera tres preguntas que los profesores se pueden plantear para responder y comprobar que los niños han conseguido correctamente los objetivos planteados con la elaboración del proyecto artístico realizado con el árbol. Estas preguntas podían estar relacionadas con la evaluación, la metodología, los materiales empleados, la transversalidad con otras asignaturas, etc. En definitiva, con cualquier aspecto relacionado con el proyecto artístico que hemos llevado a cabo en el aula en todas estas sesiones.

LAND ART.

¡Buenas tardes!

La clase de hoy ha estado destinada a aprender qué es el Land Art y cómo se trabaja. Para ello, la profesora nos ha hecho una introducción teórica y posteriormente hemos hecho un ejercicio para llevarlo a la práctica.

En primer lugar, debemos saber en qué consiste el Land Art. El Land Art lo traducimos como Arte de la tierra o Arte de la naturaleza. Por ejemplo, se refiere a aquel arte que realizamos con la naturaleza cuando jugamos en la playa y hacemos figuras o esculturas o cuando jugamos con la nieve.

Una de las exposiciones que marca esta manifestación artística es Earthworks en la galería Dwan en Nueva York.

Es importante destacar que no solo porque esté realizada al aire libre o con elementos de la naturaleza quiera decir que se trata de Land Art, ya que para considerarlo como tal tenemos que fijarnos en que se trate de:

• El desarrollo conceptual del arte y sus reflexiones en torno al espacio y tiempo.
• El proceso tiene mucha importancia en las obras de arte.
• El arte efímero; es decir, nace para degradarse de forma natural (actualmente estas obras tan solo las podemos encontrar como grabaciones o fotografías).

Uno de los temas importantes de Land Art es reiniciar al arte como objeto. Algunas de sus ramas están dedicadas a la concienciación de la importancia de la naturaleza o protestas contra la degradación del medio ambiente.

El Land Art se asienta en los años 80 y tiene diversas vertientes, las cuales son:

1. Escultura.
2. Denuncia de la situación del medio ambiente.
3. Recrearse en la naturaleza en integrarse en ella.
4. Sentirse naturaleza; es decir, se trata de construir un puente entre el ser humano y la naturaleza.
5. Hacer del planeta un lugar más bello.
6. Feminismo.
7. Relación entre la escultura y la arquitectura.

Las obras artísticas pertenecientes al Land Art se caracterizan por:

• La importancia de la obra reside en el proceso de realizarla.
• Cuentan las relaciones entre la obra y quien la experimenta.
• Es una experiencia vital. 
• Tiene una tendencia a romper con los límites.
• Relación artística entre el ser humano y la tierra.

También hemos hablado sobre algunos artistas que han realizado alguna obra de Land Art. Estos artistas son:

• Agustin Ibarrola: Realizó un proyecto que consistía en realizar varias figuras en los árboles en 2 dimensiones y cuando lo ves de lejos parece estar en 3 dimensiones.
• Pine Barrens: Realiza una pirámide truncada en la que intenta hacer ver cómo queremos domesticar la naturaleza. 
• Waltel de María: En su obra se presenta un campo con postes que atraen los rayos de sol. Lo que quiere identificar con estos postes es que son peligrosos.
• Nancy Holt: Representa cuatro tubos en el desierto orientados hacia los puntos cardinales . Desde los tubos se puede ver como se alinean los astros. 
• Laura Torrado: Es una artista española que creo unos pulmones dentro del agua. 
• Ana Mendieta: Es una artista española  que trabajaba directamente con la tierra y abrió la brecha del feminismo al realizar su silueta con diferentes materiales. Cuando murió quedo su silueta en el suelo. 

Respecto a la bibliografía, la profesora nos ha presentado un libro titulado "Land Art y arte medioambiental", escrito por Jeffrey Kastner.

Por último, hemos llevado a cabo un ejercicio como se mencionó anteriormente. En esta actividad hemos jugado con el negro, blanco y gris, y consiste en lo siguiente:

- Paso 1: Dibujar en un folio una bombilla y recortarla.

Fotografía realizada por mí.

- Paso 2: Colocar la bombilla recortada sobre la cartulina gris y dibujar el contorno.

Fotografía realizada por mí.

- Paso 3: Pintar con una tiza el contorno de la zona circular de la bombilla (técnica de reservas) y posteriormente difuminarlo para dar sensación de luz. Después, pintar de negro con el carboncillo el casco de la bombilla.

Fotografía realizada por mí.

- Paso 4: Dar con el carboncillo por toda la cartulina (más suave que en el casco de la bombilla), excepto por donde se ha pintado con la tiza, y difuminarlo con el dedo.

Fotografía realizada por mí.

- Paso 6: Con la ayuda de un papel y borrador realizar algunas líneas en la parte inferior sobre el negro difuminado.

Fotografía realizada por mí.

DIBUJO DEL NATURAL.

¡Buenas tardes!

En la sesión de hoy hemos aprendido y trabajado el dibujo del natural mediante diferentes técnicas y materiales, los cuales se utilizarán de diferente manera en base al objetivo que pretendemos conseguir. En nuestro caso, el objetivo consiste en dibujar figuras en el espacio y conseguir alzarlas para que se comparen con los objetos de la realidad; es decir, trasladar las figuras de la realidad al papel utilizando diferentes tamaños.

En primer lugar lugar, debemos tener en cuenta que el dibujo del natural es muy sencillo, que consiste en saber pocas cosas y aplicarlas correctamente. El dibujo del natural está compuesto por estos tres aspectos fundamentales:

1. Horizonte.
2. Verdad.
3. Proporción.

Una vez conocíamos la teoría sobre el dibujo del natural, nos pusimos en marcha con la práctica realizando dos actividades.

La primera actividad consistía en trasladar un objeto (en mi caso una botella de agua) al papel. Para ello, necesitamos utilizar el dibujo del natural y por eso, en primer lugar se debe dibujar una línea de horizonte que será la que nos guíe para dibujar la botella. Los aspectos principales que se han tenido en cuenta para el dibujo de la botella ha sido: la anchura de la base, el alto de la botella y a qué altura comienzan a cerrarse los extremos de la botella. Además de la botella dibujada aproximadamente en sus medidas reales, se ha dibujado otra junto a ella más pequeña con las medidas en proporción. Es aquí donde se puede observar cómo se realiza este cambio de dimensiones de la realidad al papel.

     

Fotografía realizada por mí.

Fotografía realizada por mí.

En la segunda actividad hemos realizado lo mismo solo que con algunos cambios. Debíamos dibujar la botella sobre una cartulina negra y con tiza blanca.

Una vez que teníamos la botella dibujada, hemos utilizado la tiza para dar un juego de sombras en la botella.

     

Fotografía realizada por mí.

Fotografía realizada por mí.

Para finalizar la clase, la profesora MJ nos ha recomendado otro libro para la bibliografía, el cual se titula "El arte de los niños", cuyo autor es Corrado Ricci. Este autor es de origen italiano y fue el primero en hablar sobre el arte infantil.

¡COMENZAMOS A DIBUJAR!

¡Buenas noches!

La clase de hoy ha estado destinada a la enseñanza del dibujo y a su realización con el conjunto de técnicas y materiales que ello conlleva. La profesora ha comenzado la clase con una explicación teórica sobre estos aspectos y para ello ha empezado explicando qué es dibujar.  El dibujo es considerado el arte y técnica de dibujar sobre una superficie (mayoritariamente papel). Es una técnica que no tiene color y realizada con materiales secos como el lapicero o el grafito.

Normalmente el dibujo se hace sobre papel, de modo que el dibujo depende mucho de los materiales que usamos.

Existen varios tipos de dibujos:

• Proyectivo: consiste en proyectar ideas en el papel.
• Expresivo: para explicar ideas y emociones.
• Del natural : tomando como referencia la naturaleza.

El que utilizamos con niños es expresivo y proyectivo, para que expresen libremente sus ideas sobre el papel. El dibujo al natural apenas se trabaja en clase debido a las escasas oportunidades que tendremos de hacerlo.

Los materiales necesarios para dibujar son:

• Lapiceros: Depende de la nobleza de sus componentes, la madera y del grafito. Los lapiceros están identificados con las letras B (blando), H (duro) y HB (punto intermedio). El H y el B están numerados hasta el número 18, dependiendo de la intensidad del tono que pueden llegar a dar. El duro da poco tono y el blando mucho tono. HB es el punto medio, por lo que indica el tono medio. Los lápices palominos, son de gran calidad. Además, podemos elaborar nosotros mismos un lápiz.

• Carboncillo: Es muy dócil porque permiten seleccionar las distintas lineas que hacemos sobre el papel, difuminando o quitándolas a nuestro antojo y es útil para aprender a dibujar. También se distinguen varios tipos de durezas. El carboncillo procede de la rama del sauce, las cuales se queman. Se puede trabajar directamente con estas ramas quemadas y se les puede sacar punta con una lija.

• Lija: Es muy útil y de los materiales mas importantes. Se puede utilizar para sacar punta y lijar el papel.

• Grafito: Es un material muy noble y además, conductor de la electricidad. Solamente moviéndolo por una superficie crea un dibujo. A diferencia del lápiz no tiene madera por fuera.

• Pinceles o paletinas: Se debe tener uno limpio y seco para retirar el borrador o exceso de materia innecesario y otro mojado.

• Borrador: Se puede lijar para hacer migas de borrador y así hacer un borrador de tono completo, ya que es importante en el dibujo saber poner y quitar. Hay muchas fornas de quitar poner y quitar, una de ella es el difumino, el cual es un cartón enrollado y con punta. Con una piedra se ablanda la punta y luego de lija. Con el difumino podemos suavizar los dibujos, para que todo quede igualado.

• Celo adhesivo: Se arruga y sobre lo que hay difuminado se retira el material dejando una huella de los dobleces del celo.

Es muy importante dejar claro que todo lo que hacemos sobre el dibujo importa y deja huella.

Una vez visto el dibujo y sus materiales, se terminó la clase teórica explicando qué son las reservas. Las reservas son un tipo de plantillas mediante las cuales podemos hacer dibujos de una manera más sencilla mediante el contorno de ésta o su interior.

Por último, hemos realizado una serie de ejercicios que os muestro a continuación. Con esto entenderéis mejor en que consisten las reservas. El ejercicio consistía en realizar una plantilla de una montaña y sobre una hoja de DinA3 realizar 3 dibujos se distintos tonos y otro con el contorno. Además, realizamos una cadena de montañas mediante la utilización de las reservas. ¡Aquí os dejo algunas fotos del trabajo con reservas!

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

PERFORMANCES.

¡Buenas tardes!

En la sesión del viernes aprendimos que son las performances. Pues bien, éstas se tratan de historias curiosas en las que los protagonistas cuentan un hecho o acción concreta hacia los demás mediante la utilización de su propio cuerpo, en las que no existe ningún tipo de reglas o límites ni en el tema ni en la duración de la obra, con el objetivo de querer simbolizar una situación concreta de la vida cotidiana.

Lo importante de la performance es que se tiene que realizar con el propio cuerpo del artista. La performance proviene del teatro y se comenzó realizando barbaridades como por ejemplo: orgías o matar animales y meterse dentro de ellos. Además, la performance está relacionada con el body art y se transmite de manera oral, mediante fotos o vídeos (actuación visual). Un ejemplo de una performance rápida puede ser que alguien se tire al suelo, se le realizan fotos y se publican en las redes sociales, poniendo que un alumno ha muerto, pidiendo que se realice una oración por su alma.

Algunas de las posibles críticas que se pueden hacer hacia las performances podrían ser: ¿Hasta donde podemos llegar con el arte? ¿Existen límites en el arte a través de las performances? Algunos críticos opinan que deberían existir una serie de límites o reglas para saber qué se puede hacer o no, qué es moral o no. Por lo tanto, se juzgan los límites de las performances en el arte entre lo legal y lo moral.

Para que nos quedase más claro, la profesora nos dio algunos ejemplos de autores destacados en las performances, como Marina Abramovic, que es una artista serbia que ha realizado muchas performances a lo largo de su carrera. También un artista alemán llamado Joseph Beuys, quien se centró en la "escultura social", ya que realizó una obra donde colocó 3 papeles en el centro del escenario con una palabra escrita en cada uno de los papeles, teniendo que relacionar dichas palabras con una imagen, dibujo o idea.

Por úlitmo, para comprobar que este concepto nos había quedado claro, cada grupo tenía que hacer una performance realacionada con el árbol y representarla para la clase.

La idea de nuestro grupo fue representar un suicidio, en el cual uno de nosotros se encontraba en una mala situación personal y fue a recapacitar al frente de nuestro árbol, cuando los demás, actuando como su conciencia le incitabamos a que se quitara la vida. Finalmente y haciendo caso a su conciencia, éste al final se suicidó.

Aquí os dejo algunas de las fotos de las performances de mis compañeros.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

EXPOSICIONES Y EVALUACIONES DE LOS ÁRBOLES.

¡Buenas tardes!

La clase del jueves la destinamos a presentar cada grupo nuestro árbol y a evaluar a los demás. Antes de esto, la profesora MJ nos explicó que no es lo mismo evaluar que calificar. Para ello, nos explicó en que consistían distintos tipos de juegos relacionándolos con la evaluación.

• Juegos competitivos: en el que unos ganan y otros pierden.
• Juegos de habilidad: juegos en los que se desarrolla la técnica o la táctica de algo para conseguir un objetivo.
• Juegos socializadores: conocimiento de uno mismo y de los demás. favorece la relación interpersonal.
• Juegos simbólicos: en los que se aprende a imitar la realidad y en los que el niño rinde de manera muy favorable.

Mediante estos tipos de juegos los niños son capaces de expresarse, mostrando así su creatividad. Pero, ¿cómo evaluamos la expresión artística?

• Debemos ponernos en el lugar del niño, siendo conscientes y teniendo muy en cuenta que podemos provocar una frustración en ellos al decirles que algo está mal después de haber puesto su empeño y esfuerzo en realizarlo.
• Se debe destacar que en la educación plástica, como en el resto de áreas, existen distintos ritmos de trabajo entre los propios alumnos, por lo que habrá que adaptarse a los diferentes ritmos de aprendizaje de cada uno.
• Es importante conocer la capacidad que tengan los niños para expresarse y mejorar día a día, además de la capacidad de trabajo de cada uno.
• Debemos centrarnos en el proyecto que estamos desarrollando, hay que emitir un juicio en positivo de lo que estemos trabajando, en este caso los árboles.

Tras esto, hemos de echar la vista atrás y darnos cuenta de que en nuestro proyecto hemos aprendido multitud de cosas, como la escultura, la pintura, cómo se pegan distintos materiales, la economía de medios, la realización de diferentes construcciones... en fin, hemos trabajado diferentes aspectos que nos han hecho mejorar en nuestra habilidad artística, pero lo más importante es que lo hemos trabajado como un juego. Todos estos aspectos nos sirven para conocer y resolver los problemas, desarrollar potencialidades y también para elevar el nivel de frustración, al igual que saber superarlo, ya que en la vida tendremos que estar preparados para autosuperarnos si no salen las cosas como lo esperado.

A la hora de evaluar los árboles, tenemos que diferenciar en una parte objetiva (qué y cómo se ha hecho) y otra parte conceptual (qué quieres contar con lo que has hecho y si has sido capaz de transmitirlo). Además, podemos calificar la calidad de los materiales, si las técnicas empleadas son las correctas, las dimensiones, si se ha presentado con limpieza, si ha tenido una buena ejecución en el proceso, si se ha mantenido la misma línea de trabajo, la constancia... Mientras que en relación a los aspectos formales hay que tener en cuenta el espacio, los colores, las proporciones, si le da o no movimiento y las composiciones. En cuanto a los aspectos simbólicos se debe tener en cuenta los símbolos de la estructura, que sea un producto creativo, la originalidad, la flexibilidad en el trabajo, que la elaboración sea buena, que se desarrollen conocimientos y capacidades y tener una actitud positiva hacia el área artística.

Posteriormente, cada grupo presentamos y comentamos las dificultades que nos encontramos en la elaboración de nuestro árbol, y cómo fuimos solventando cada uno de estos problemas, para que todos los grupos supiésemos las dificultades que habían tenido el resto. Una vez finalizadas las exposiciones, nos centramos en evaluar y calificar a cada grupo por separado. Para ello, elaboramos una tabla entre toda la clase con diferentes ítems en la cual fuimos puntuando en función de si conseguían o no el objetivo. Estos fueron los ítems que debíamos evaluar:

1. Color
2. Dimensiones
3. Materiales adecuados
4. Composición 
5. Tridimensión

Cada  ítem valía 1 punto, por lo que la suma total era de máximo 5 puntos, los cuales se sumaban a un máximo de otros 5 puntos corresponidente a la valoración del resultado final del árbol, por lo que la nota máxima final era sobre 10. Además de un comentario sobre lo que más nos había gustado y los posibles aspectos a mejorar.

Aquí os dejo algunas fotos de cada uno de los trabajos de todos mis compañeros:

     

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

     

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

     

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

     

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

     

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por mi.

¡TERMINAMOS NUESTRO ÁRBOL!

¡Muy buenos días!

Tras varios días de trabajo duro, hoy por fín podemos decir que hemos terminado nuestro árbol. Como ya sabéis, el otro día nos quedamos con las hojas. Pues bien, como el otro día las pintamos solo por una cara, hoy las hemos pintado por la otra para proceder después a su colocación en el árbol. Cuando la pintura estaba seca, hemos arrugado cada hoja para darles una similitud a las de los árboles plataneros.

Una vez que teníamos todas las hojas pintadas, lo que hemos hecho a sido colocar un poco de superglue en el pecíolo de las hojas para pegarlas en las ramas. ¿Cómo hemos conseguido que se quedaran las hojas fijas en las ramas? Pues veréis, es bastante difícil que el pecíolo se pegue a la superficie de la rama, así que hemos puesto un poco de superglue al pecíolo y lo hemos enrollado en la rama, de manera que lo que pegamos son dos extremos del pecíolo.

Fotografía realizada por mi.

También hemos aprovechado el desnivel que había en la parte de arriba del tronco para colocar bastantes hojas secas, lo que nos ha servido como recurso para tapar esta parte que quedaba un poco feo y, además, añadir más hojas al árbol. Colocadas ya las hojas en el árbol, hemos pintado algunos detalles de color verde en las partes donde nacen las hojas en las ramas.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.

Fotografía realizada por mi.

Una vez finalizada la colocación de las hojas nos hemos puesto manos a la obra para realizar algún detalle para la base del árbol. Como ya hemos contado en este blog, los primeros días hicimos esculturas con arcilla de algún elemento relacionado con el bosque. Por lo tanto, nos hemos servido de una de las setas que hicimos en su día y la hemos pintado para ponerla sobre la base del árbol. El sombrero de la seta lo hemos pintado de color rojo y con algunos puntos en blanco, utilizando un pincel muy fino y otro un poco más ancho.

Fotografía realizada por mi.

Posteriormente, hemos colocado esta seta pintada sobre la base utilizando cola blanca en la parte inferior de la seta. También hemos dado algún detalle más a la base, como por ejemplo, en los huecos que ésta tenía, hemos colocado dos ramas de tomillo ya que de esta manera causa sensación de realismo al ver la vegetación que hay bajo el árbol. Con lo cual, la base quedaría con algunas hojas caídas del árbol, la seta, las ramas de tomillo y algunos toques en verde claro para la vegetación.

Fotografía realizada por mi.

Por último, y con el árbol terminado, hemos hecho algunas fotos que aquí os dejo. ¡Espero que os guste como ha quedado nuestro proyecto! 😉

Fotografía realizada por David Carmona

Fotografía realizada por mi.

Fotografía realizada por David Carmona.

Fotografía realizada por Eduardo García Villanueva.